1.11.2025 2pm
Conductor: Dalia Stasevska
Orchestra: The Philadelphia Orchestra
Soprano: Joélle Harvey
Violin Soloist: Augustin Hadelich
The concert opens with John Adams’s Short Ride in a Fast Machine, a brief, high-energy orchestral fanfare driven by relentless rhythmic momentum. It serves as a vivid and kinetic introduction to the evening. This is followed by Samuel Barber’s Violin Concerto, one of the most lyrical and enduring American violin concertos. The solo part is performed by Augustin Hadelich, whose playing is known for its technical brilliance and refined musicality. The program concludes with Gustav Mahler’s Symphony No. 4 in G major. Unlike Mahler’s larger, more monumental symphonies, the Fourth is noted for its transparency, classical proportions, and ironic innocence. The final movement features a soprano solo—sung here by Joélle Harvey—setting the song “Das himmlische Leben” (“The Heavenly Life”), which presents a childlike vision of paradise. The program traces a clear expressive arc: from the propulsive modern energy of Adams, through Barber’s lyrical introspection, to Mahler’s luminous and subtly unsettling vision of innocence. Under Dalia Stasevska’s direction, the concert juxtaposes American modernism with late-Romantic symphonic refinement, highlighting contrast, color, and clarity rather than sheer weight.
John Adams – Short Ride in a Fast Machine (1986)
The fanfare of John Adams’s Short Ride in a Fast Machine, which lasts about four minutes, condenses an unrelenting thrill. It begins with a woodblock maintaining a steady pulse. This rhythmic drive permeates the entire piece, resembling the ceaseless roar of an engine. Brass, woodwinds, and strings layer over one another, gradually increasing the sound's density and color. While the piece is rooted in minimalism, it emphasizes celebration and drama in Adams’s distinctive style rather than the uniformity or transparency typical of Steve Reich. Rather than melodic development, the music’s primary focus is the motion created by rhythm and orchestration. Adams himself described it as “the sensation of being in a car driven too fast—fun, yet a little scary.” Indeed, the music surges forward with both uncontrolled exhilaration and a hint of anxiety.
Samuel Barber – Violin Concerto (1939)
Barber’s Violin Concerto lasts approximately 22–25 minutes and prioritizes melodic beauty and lyricism over virtuoso display. In the first movement, the solo violin appears from the very beginning, playing long, natural, and effortless lines. There is little sense of conflict with the orchestra; the music unfolds within gentle harmonic progressions and transparent orchestration. The second movement evokes a nocturne, with restrained melancholy and profound emotional weight. The solo violin floats delicately above the soft orchestral textures, and subtle harmonic shifts generate tension, capturing the emotional core of the concerto. The final movement is driven almost entirely by continuous motion, demanding extreme precision, agility, and endurance from the soloist. The romantic lyricism of the earlier movements recedes, giving way to sharp energy. This sudden stylistic shift initially surprised audiences but is now recognized as a defining feature of the work. The concerto traces an arc from warm lyricism through quiet introspection to a climax of exhilaration, combining immediacy of expression with technical sophistication, making it central to the violin repertoire.
Gustav Mahler – Symphony No. 4 in G Major (1899–1901)
Mahler’s Fourth Symphony stands out for its clarity and classical character among his symphonies. Unlike the massive forces and intense drama of the Second and Third Symphonies, the Fourth employs a more miniature orchestra, bright tonalities, and a calm, transparent atmosphere. The first movement begins with light, bell-like sounds (glockenspiel). It conveys a pastoral elegance, though moments of irony and unease lurk behind the apparent innocence—typical of Mahler’s coexistence of naivety and anxiety. The second movement features the solo violin evoking a Grim Reaper-like figure with distorted dance rhythms. This humorous yet eerie movement blends folk-dance elements such as waltzes and Ländler with grotesque gestures, hinting at the instability of reality. The third movement unfolds as a series of serene, elevated variations, stretching time toward a radiant climax that conveys a sense of redemption or transcendence beyond suffering. In the final movement, a soprano sings Das himmlische Leben (The Heavenly Life), portraying heaven from a child’s perspective. The melodies and words are simple and innocent, yet the brightness carries a detached, almost otherworldly quality. The Fourth Symphony is perhaps Mahler’s most accessible yet multifaceted work, juxtaposing surface clarity with subtle irony, the shadow of death, and a longing for transcendence, revealing new dimensions with each listening.
Artists
Augustin Hadelich (b. 1984, Italy)
German parents raised Hadelich in Italy and began playing the violin at a young age. After suffering severe burns in a childhood accident, he returned to performing after a long rehabilitation, an experience often cited as a source of his mental resilience and focus. His international recognition grew after winning the 2014 Indianapolis International Violin Competition. Since then, he has performed with world-class orchestras, including the Berlin Philharmonic, Vienna Philharmonic, New York Philharmonic, and Chicago Symphony Orchestra, and has appeared at major festivals and concert halls worldwide. Hadelich’s playing combines near-perfect technical precision with a highly natural musical flow. His tone is clear and even, with no roughness in loud passages and delicate control in soft ones. He does not seek to flaunt virtuosity; instead, he illuminates the structure, harmonies, and inner tensions of the music, demonstrating intellectual rigor. His repertoire spans Baroque to contemporary works, including Bach, Beethoven, Brahms, Barber, Adams, and Ligeti. Hadelich is particularly praised for his interpretation of Barber’s Violin Concerto, balancing lyricism and tension at the highest level. He is also active in chamber music and education, currently teaching at the Yale School of Music. Hadelich stands as a prominent figure in the contemporary violin world, combining virtuosity with musical integrity.
Joélle Harvey
Harvey possesses a lyrical, transparent voice and expressive singing, particularly renowned for performances of Mahler, Bernstein, and contemporary American works. Her voice can navigate subtle nuances in dynamics and phrasing, effortlessly adapting from art song to major orchestral works. In Mahler’s Fourth Symphony, she conveys the innocence and purity of a child’s perspective with sensitivity, blending seamlessly with the orchestra while maintaining a distinctive presence.
Dalia Stasevska
Born in Ukraine and based in Finland, Stasevska is a conductor who has collaborated with major European orchestras from a young age, earning recognition for her precision and expressive insight. She excels at drawing transparent orchestral textures and vividly portraying musical structure and color. She emphasizes communication with the audience, managing stage tension while highlighting the orchestra's individual voices.
ジョン・アダムズのShort Ride in a Fast Machine（1986）4分に止まらない快感を凝縮したファンファーレは、一定の拍を刻み続けるウッドブロックから始まる。その脈動は曲全体を貫きまるで止まることのないエンジン音のように。金管、木管、弦楽器が重なり、音響の密度と色彩が段階的に増していく。ミニマルが基本だが、スティーヴ・ライヒのような均質性や透明性よりも、アダムズ特有の祝祭と劇が前面に出ている。旋律の展開よりも、リズムとオーケストレーションによる運動そのものが音楽の主役となっている。アダムス曰、「スピードを出しすぎる運転手の車に乗ってしまい、楽しいが少し怖い感覚」を音楽にした。実際、音楽は制御不能な高揚と軽い不安を同時に突き進む。
サミュエル・バーバーのヴァイオリン協奏曲（1939年）演奏時間は約22〜25分で、技巧を誇示せず、旋律の美しさと歌心を中心に据えている。第1楽章は、独奏ヴァイオリンは冒頭から現れ自然で無理のない長い旋律を奏でる。管弦楽との対立はほとんど感じられず、穏やかな和声の流れと透明なオーケストレーションの中で、静か進む。
第2楽章では、夜想曲を思わせる、抑制された哀愁と精神的な重みが漂う。独奏ヴァイオリンは柔らかな管弦楽の響きの上に静かに浮かび上がり、微妙な和声の変化によって緊張が生み出されれ、協奏曲全体の感情の核心を捉えている。終楽章は、独奏パートのほぼ全体が絶え間ない動きによって構成され、高度な正確さ、敏捷性、そして持久力が要求される。前半のロマンティックな抒情は影を潜め、鋭いエネルギーが前面に押し出される。この急激な様式転換は初演当時には戸惑いをもって受け取られたが、現在ではこの協奏曲を特徴づける重要な要素でる。この曲は、温かな抒情から静かな内省、そして高揚に満ちた感情の軌跡を描く。表現の即時性と高度な技巧を備え、ヴァイオリン・レパートリーの中核をなす。
グスタフ・マーラーの交響曲第4番 ト長調（1899–1901年）は、彼の交響曲の中でも特に透明で古典的の性格をもつ作品。巨大編成や過剰な劇性を特徴とする第2番・第3番とは対照的に、簡潔な編成と明るい調性、穏やかな印象を与える交響曲。第1楽章は、鈴（ソリベル）を含む軽やかな響きで始まり、牧歌的で優雅だが、無垢な明るさの背後に、皮肉や不安をの瞬間が潜み、マーラー特有の「天真さと不安の同居」が提示されている。第2楽章では、独奏ヴァイオリンが死神（フロイント・ハイン）を象徴するような、歪んだ舞曲を奏でる。ユーモラスで不気味なこの楽章は、ワルツやレントラーを思わせる民俗要素とグロテスクな表情が交錯し、現実世界の不安定さを示唆する。第3楽章は、深い静けさと崇高さをたたえた変奏音楽が、時間を引き伸ばすように展開され、輝かしいクライマックスに到達する。苦悩を超えた先にある救済や超越の感覚を、穏やかで持続的な響きによって描き出す。終楽章では、ソプラノ独唱による天上の生活（Das himmlische Leben）が歌われる。子どもの視点から語られる天国の情景。素朴で無邪気な言葉と旋律。しかし、その明るさは単純な楽観ではなく、どこか現世から切り離された冷ややかさが帯びている。この曲は天国への憧れと人間の現実の間で終わっていく。この曲は、マーラーの作品の中で最も親しみやすいが、最も多面性がある交響曲。表面の明快さの背後に、皮肉、死の影、そして超越への希求が繊細に織り込まれており、聴くたびに異なる表情を見せる。
アーティスト
アウグスティン・ハーデリヒ（Augustin Hadelich）は、1984年、イタリア生まれ。ドイツ系の両親のもとで育ち、幼少期からヴァイオリンに親しんだ。少年時代に大きな事故で重度の火傷を負いながらも、長いリハビリを経て演奏に復帰した経験は、彼の精神的な強さと集中力の源としてしばしば語られている。ハーデリヒの名が国際的に広く知られるようになったのは、2014年にインディアナポリス国際ヴァイオリン・コンクールで優勝して以降である。その後、ベルリン・フィル、ウィーン・フィル、ニューヨーク・フィル、シカゴ交響楽団など、世界最高峰のオーケストラと次々に共演し、主要音楽祭やコンサートホールに招かれてきた。彼の演奏の特徴は、完璧に近い技術的精度と、極めて自然で無理のない音楽の流れにある。音色は透明で均質、強音においても粗さがなく、弱音では繊細な集中力を保つ。技巧を誇示するタイプではなく、楽曲の構造や和声、内的な緊張関係を明晰に浮かび上がらせる点に、知的な演奏家としての資質が表れている。レパートリーはバロックから現代音楽まで非常に幅広く、バッハやベートーヴェン、ブラームスといった古典・ロマン派作品に加え、バーバー、アダムズ、リゲティなど20世紀・21世紀作品にも積極的に取り組んでいる。特にサミュエル・バーバーの《ヴァイオリン協奏曲》は、抒情性と緊張感の両立を高い次元で実現した解釈として高く評価されている。また、室内楽や教育活動にも力を注ぎ、現在はイェール大学音楽院で後進の指導にもあたっている。アウグスティン・ハーデリヒは、ヴィルトゥオーゾ性と音楽的誠実さを兼ね備えた演奏家として、現代ヴァイオリン界における重要な存在である。
ジョエル・ハーヴェイ（Joélle Harvey）は、リリカルで透明感のある声質と、表現力豊かな歌唱力を兼ね備え、特にマーラーやバーンスタイン、現代アメリカ作品の演奏で知られている。彼女の声は純度が高く、強弱やフレージングの微妙なニュアンスを自在に操ることができるため、歌曲から大規模オーケストラ作品まで幅広く適応することができる。マーラーの交響曲第4番の天上の生活の歌唱では、子ども視点の無垢さと純粋な明るさを繊細に表現し、オーケストラと調和しながらも独自の存在感を示す演奏で高く評価されている。
ダリア・スタセフスカ（Dalia Stasevska）は、ウクライナ生まれのフィンランドの指揮者で、若くしてヨーロッパ各地の主要オーケストラと共演を重ね、精度と表現力の高さで評価されてきた。特にオーケストラのサウンドを明晰に引き出す能力に優れ、音楽の構造や色彩を鮮やかに描き出す指揮スタイルが特徴である。聴衆とのコミュニケーションを重視し、ステージ上の緊張をコントロールしながら、オーケストラの個々の声部を明確に際立たせることができる。