Timespans 2026 points toward a shared direction across genres and nationalities: music as a force that shapes the experience of time itself. Here, the movement of sound becomes perceptible, and the listener’s attention is transformed. Music alters perception, directing awareness toward timbre, resonance, and the moment when sound disappears, while inviting listeners to observe their own concentration and reactions.
Philippe Manoury’s electronic works create multilayered temporal dimensions. Georg Friedrich Haas explores sustained beating patterns and shifting harmonic fields through just intonation. Hanne Darboven-inspired repetitions in Ashley Hennies's music transform perception through persistence and accumulation, while Salvatore Sciarrino reveals the subtle decay of sound with extraordinary precision. Each composer generates a distinct experience of time.
Rebecca Saunders’ fragmented collisions, Ramon Lazkano’s glitch-like instability, and Henri Dutilleux’s shadowy resonances detach music from continuous flow and place it within cycles of emergence and dissolution. Wolfgang Rihm’s collapsing currents, Peter Hersch’s cut-up structures, and Wagnerian fragments of memory form montages of fractured time. Electronic sound is fully integrated into musical structure, generated in real time and becoming part of the compositional process itself.
Performing groups such as Alarm Will Sound, Talea Ensemble, Grossman Ensemble, and AMOC collaborate closely with composers, transforming works into evolving events rather than fixed objects. Music becomes an ongoing process.
The result is a vast sonic landscape that ranges from delicate zones where sound dissolves into silence to dense fields charged with disruptive energy. Within it, listeners are invited to observe shifts in their own sense of time, memory, and attention.
The experience is not entirely unfamiliar. It resembles becoming aware of subtle changes in everyday life—differences in air and light, the sounds and scenery encountered on a walk, or the evolving atmosphere of a café or city street. It is also akin to moments when environmental sounds become unexpectedly vivid while reading or working, or when the perception of time changes during meditation or running. Above all, it is an experience of receiving and inhabiting transformations of perception as they unfold in the present moment.
Timespans 2026は、ジャンルや国籍を超え、音楽が時間の体験を制御する方向性を示す。ここでは音の運動は可視化され、聴き手の注意が変容する。音楽が聴く人の知覚を変え意識は音色、共鳴、そして音が消える瞬間へ向かい、自らの集中と反応を観察する。
マヌリーの電子音楽は多層の時間感覚をもたらし、ハースは純正律によるうなりビートの持続、ヘニーズは執拗な反復による知覚の変容、シャリーノは音の減衰の精密な描写によって、異なる時間体験を生み出す。
サンダースの断片的な衝突、ラズカノのグリッチ的な不安定性、デュリューの影のような共鳴は、音楽を連続した流れから切り離し、生成と崩壊の循環へ導く。リームの崩壊的な流れ、ハーシュのカットアップ的構成、ワーグナー的記憶の断片は、分断された時間のモンタージュを形成する。電子音は構造に統合され、リアルタイムで生成されプロセスとして音楽そのものとなる。
アラーム・ウィル・サウンド、タレア・アンサンブル、グロスマン・アンサンブル、AMOCといった演奏集団は作曲家と協働し、作品を更新される出来事へと変化させる。音楽は進行し続けるプロセスとなる。
その結果、音が無音へ溶け込む繊細な領域から、濃密で破壊的なエネルギーに満ちた領域までを含む幅広い音響空間であり、聴き手は自らの時間感覚、記憶、注意の変化を観察する体験へと導かれる。
これは日常で小さな変化や空気の違い、散歩中の景色や音、カフェや街の変化に気づく感覚に近い。さらに、読書や作業中に環境音を心地よく感じるたり、瞑想やランニング中に時間感覚が変わるのに近い。これはその場で起きている感覚の変化を自然に受け取り、味わう体験である。
Wolfgang Rihm
Jagden und Formen, Zustand 2008*
for 2 flutes, English horn, 2 clarinets, bassoon, 2 horns, 2 trumpets, trombone, tuba, 3 percussion, guitar, electric bass, harp, piano, 2 violins, viola, cello, and double bass
* NY Premiere
Talea Ensemble
James Baker, conductor
Wolfgang Rihm was a German composer born in 1952 who died in 2024. Although he was one of the central figures of contemporary music, he kept his distance from the strict structuralism associated with composers such as Pierre Boulez and Karlheinz Stockhausen from the very beginning of his career.
For Rihm, music emerges through the impulse and flow of sound itself. Rather than following a predetermined system, the music generates itself as it unfolds. Fragments appear and dissolve; forms are constantly interrupted before they can become fixed, moving relentlessly toward new directions.
Rihm has often been linked to the Romantic lineage. He inherited elements such as the expansive temporal scale and emotional excess of Gustav Mahler, the dramatic fragments of Alban Berg, the expressive tension of early Arnold Schoenberg, and even the endless dramatic momentum of Richard Wagner. Yet he transformed all of these within the language of contemporary music, breaking them apart, reshaping them, and allowing them to persist in altered forms.
Jagden und Formen (“Hunts and Forms”) is a large-scale orchestral work of approximately one hour. The first version was composed and premiered in 1995, but Rihm continued to revise and expand it for more than a decade. In 2008, he organized the work into the version now most widely known as Zustand 2008.
The title reflects the nature of the music itself. The German words Jagden (“hunts” or “pursuits”) and Formen (“forms”) suggest a process in which the music is constantly chasing something ahead of itself. Yet any form that emerges is immediately destabilized and transformed before it can settle into a fixed shape. Rather than unfolding according to a clear architectural design, the work sustains itself through an ongoing cycle of generation, fragmentation, and transformation.
More than a finished composition, Jagden und Formen can be understood as a living, evolving work—one that continued to grow through performance, revision, and expansion. In this sense, it embodies Rihm’s compositional philosophy itself: music not as a completed object, but as a continuous process of becoming.
Wolfgang Rihmは、1952年ドイツ生まれの作曲家で、2024年に亡くなった。現代音楽の中心人物の一人でありながら、ブーレーズやシュトックハウゼンに代表されるような厳密な構造主義とは最初から距離を置いていた。
音そのものの衝動や流れを書き進める中で音楽が生成していく。そのため、断片が現れては崩れ、形が固定される前に次の流れへと絶えず動き続ける音楽。
彼はロマン派の系譜に結びつけられ、マーラーのような長大な時間と感情の過剰、ベルクのような劇の断片、シェーンベルク初期の表現主義の緊張、さらにはワーグナーの終わりなきドラマといった要素を受け継ぎ、すべてを現代音楽の言語の中で崩し、変形させながら持続させる。崩れながらも途切れず流れ続けるJagden und Formenは、Wolfgang Rihmが書いた約1時間のオーケストラ作品で、1995年に初版が作曲・初演され、その後10年以上にわたって改訂と拡張が続けられ、2008年に「Zustand 2008」として現在よく知られる形に整理された。
タイトルはドイツ語で「狩り（追跡）と形」を意味し、音楽の内容もその意味を反映している。すなわち、音楽は常に何かを追いかけるように動き続けるが、その過程で現れる「形」はすぐに崩れ、固定されることがない。作品全体は明確な構造に収まるのではなく、断片が生成と変形を繰り返しながら持続していく。
この作品は一度の完成された作品というより、書き進められ、演奏と改訂を通じて変化していった「成長する作品」であり、Rihmの作曲姿勢そのものである。
Kelley Sheehan
O Maria, 2026*
for baritone, violin, and live electronics
World Premiere
Ty Bouque — baritone
Sarah Saviet — violin
Kelley Sheehan and SWR Experimentalstudio — live electronics
Philippe Manoury
Le temps, mode d’emploi, 2014*
for two pianos and electronics
US Premiere
GrauSchumacher Piano Duo
Andreas Grau — piano
Götz Schumacher — piano
SWR Experimentalstudio (Freiburg, Germany)
Michael Acker — sound artist
Joachim Haas — sound artist
Philippe Manoury is a French composer who has played a leading role in the development of real-time electronic music, integrating sound and temporal structure into a unified musical language.
His work Le temps, mode d’emploi (2014), written for two pianos and live electronics, presents multiple layers of temporal experience simultaneously. As the sounds produced by the pianists are transformed and expanded in real time, acoustic and electronic sounds intertwine, creating a richly layered musical landscape in which different perceptions of time coexist.
Kelley Sheehan is an American composer whose work focuses on electronic sound and the materiality of sonic experience. Rather than emphasizing formal structures, she is particularly interested in texture, transformation, and the evolving physical qualities of sound.
Her new work O Maria (2026), for baritone, violin, and live electronics, explores a process in which voice, strings, and electronic sounds continuously reshape one another. The piece unfolds through ongoing sonic transformation, with each element influencing and redefining the others.
GrauSchumacher Piano Duo—consisting of Andreas Grau and Götz Schumacher—specializes in contemporary music and has been responsible for numerous premieres and important performances of works by composers such as Karlheinz Stockhausen, Wolfgang Rihm, and Manoury.
SWR Experimentalstudio, based in Freiburg, is one of the world's most influential centers for the development and practice of live electronics. For decades, it has helped shape new approaches to integrating performers and electronic sound into unified acoustic environments.
Together, these artists and institutions represent a meeting point between the historical lineage of electronic music and contemporary creative practice. Performance, electronic processing, and spatial design become inseparable, transforming music into a real-time sonic process in which sound is continuously generated, reshaped, and projected through space.
Philippe Manoury はリアルタイム電子音響の発展を牽引してきたフランスの作曲家で、音響と時間構造を統合した。
《Le temps, mode d’emploi》（2014）は、二台ピアノとライブ電子音響のための作品で、演奏音がリアルタイムで変換・拡張されることで、複数の時間感覚が同時に提示される。ピアノ音と電子音が重なり音楽が多層に展開される。
Kelley Sheehan は電子音響や音の物質性に関心を持つアメリカの作曲家で、音の構造よりも質感や変形のプロセスを重視する。
新作《O Maria》（2026）は、バリトン、ヴァイオリン、ライブ電子音響のための作品で、声と弦、電子音が相互に変形しながら形作る。
GrauSchumacher Piano Duo（Andreas Grau／Götz Schumacher）は、現代音楽レパートリーに特化したピアノデュオで、シュトックハウゼン、リーム、マヌリなど多くの重要作品の初演・再演を担ってきた。
SWR Experimentalstudio（フライブルク）は、ライブ電子音響の実践と発展を支えてきた国際的拠点で、演奏と電子音を統合した音響空間の構築する。
これは電子音響の歴史的系譜と現在の創作が交差する。演奏、電子処理、空間が一体化し、音楽はリアルタイムで生成される音響プロセスとなる。
Grossman Ensemble
Timothy Weiss, conductor
Constance Volk — flute
Andrew Nogal — oboe
Katherine Jimoh — clarinet
Taimur Sullivan — saxophone
Matthew Oliphant — horn
Greg Beyer — percussion
John Corkill — percussion
Kyle Flens — percussion
Christopher Jones — percussion
Ben Melsky — harp
Daniel Pesca — piano
Marianne Parker — celesta
Hanna Hurwitz — violin
Theo Ramsey — violin
Doyle Armbrust — viola
Nick Photinos — cello
A program performed by an ensemble active in the Chicago contemporary music scene. This is a representative program of contemporary music practice, in which composers and performers work in close collaboration to develop new works.
シカゴ現代音楽シーンを中心に活動するアンサンブルによる公演。作曲家と演奏家が密接に関わりながら新作を育てる、現代音楽の創作現場を代表するプログラム。
Melinda Wagner
Limbic Fragments (2024)*
for flute, oboe, clarinet, saxophone, horn, harp, piano, 2 percussion, 2 violin, viola, and cello
NY Premiere
Melinda Wagner (b. 1957) is an American composer known for her meticulous structures and rich orchestration. She was awarded the Pulitzer Prize in Music in 2000. Her work is characterized by a refined approach that integrates timbre and structure.
Melinda Wagner は1957年生まれのアメリカの作曲家で、緻密な構成と豊かなオーケストレーションによって知られている。2000年にピューリッツァー賞作曲部門を受賞。音色と構造を結びつけた精緻な書法を特徴とする。
Limbic Fragments is a work inspired by the functioning of human memory and emotion. Short musical fragments appear in succession, transforming and colliding as they move toward new trajectories. Changes in timbre and rhythmic tension interlock, forming a continuous flow through fragmentary material.
《Limbic Fragments》は、人間の記憶や感情の働きに着想を得た作品。短い音楽的断片が連続しながら変形・衝突し、新しい流れへ移行していく構造を持つ。音色の変化とリズムの緊張が重なり、断片的な素材が連鎖しながら全体の流れを形作る。
Sean Shepherd
Simple Machines – Air, Churn, Hover (2024)*
NY Premiere
Sean Shepherd (b. 1979) is an American composer known for vivid timbral design and a strong sense of musical propulsion.
Sean Shepherd は1979年生まれのアメリカの作曲家で、鮮やかな音色設計と推進力のある音楽語法で知られている。
This work explores musical motion through three states: “Air,” “Churn,” and “Hover.” Light suspension, turbulent density shifts, and states of equilibrium unfold in sequence, with sonic energy change as the central focus.
本作は「Air」「Churn」「Hover」という3つの状態を通じて、音楽の運動そのものを探る作品。軽やかな浮遊、攪拌するような密度変化、宙に留まる均衡状態が連続し、音響のエネルギー変化が中心となる。
Ramon Lazkano
A Glitch at the Edge (2024)*
NY Premiere
Ramon Lazkano (b. 1968) is a Basque composer known for his precise treatment of sonic texture and spatiality.
Ramon Lazkano は1968年生まれのバスク出身の作曲家で、音響の質感と空間性を精密に扱う作風で知られている。
This work focuses on “deviations at the boundary” and structural imperfections. Within stable flows, subtle irregularities and disturbances enter, generating new sonic developments.
本作は「境界のずれ」や「構造のほころび」に着目し、安定した流れの中に微細な異常や変化が入り込むことで、新しい音響的展開が生まれていく構成を持つ。
Frédéric Durieux
Theater of Shadows I (2022)*
NY Premiere
Frédéric Durieux (b. 1959) is a French composer known for delicate sonic design centered on processes of generation and decay.
Frédéric Durieux は1959年生まれのフランスの作曲家で、音の生成と消失の過程を中心に据えた繊細な音響設計で知られている。
This work focuses on “shadow,” where structure is formed not by clear outlines but by overlapping resonances and traces. Sound appears and disappears, creating spatial expansion through continuous transformation.
本作は「影」に焦点を当て、明確な輪郭よりも残響や気配が重なり合うことで構造が形成される。音は現れては消え、連続的な変化の中で空間的な広がりを生み出す。
Augusta Read Thomas
Solstice Ritual – Homage to Varèse and Ravel (2024)
Augusta Read Thomas (b. 1964) is an American composer known for colorful orchestration and strong musical momentum.
Augusta Read Thomas は1964年生まれのアメリカの作曲家で、色彩感豊かなオーケストレーションと強い推進力を持つ作品で知られている。
This work is a homage to Varèse and Ravel, combining sharp sonic energy with delicate timbral interplay. It unfolds as a ritualistic musical world centered on light and transformation.
本作はVarèseとRavelへのオマージュとして書かれ、鋭い音響エネルギーと繊細な音色が交錯する構造を持つ。光と変化を軸にした祝祭的な音楽世界が展開される。
Grossman Ensemble
Timothy Weiss, conductor
Sarah Hennies
The Blue Hour, 2025*
US premiere
Commissioned by Saviet/Houston Duo with support from the Ernst von Siemens Music Foundation, SWR, and Huddersfield Contemporary Music Festival
Saviet/Houston Duo
Sarah Saviet — violin
Joseph Houston — piano
https://www.youtube.com/watch?v=Itm-yCS3GL8
Sarah Hennies (b. 1979) is an American composer and percussionist whose work explores fields such as psychoacoustics, auditory perception, processes of creativity, and identity through music. From an early age, she studied drums and gained performance experience in hardcore and punk scenes. She later studied composition at the University of Illinois Urbana–Champaign and the University of California, San Diego, where she worked with composers including Steven Schick. She is currently based in Ithaca, New York, and is also active as an educator at Bard College.
Her compositional work is centered on solo and small-scale acoustic pieces and, in recent years, has expanded into installation, dance, and film. Her representative work, Contralto (2017), is widely known for connecting transgender voice and sound and deeply exploring the relationship between bodily experience and auditory expression.
At the core of her music is the transformation of perception through repetition and duration. Limited materials are repeated over extended periods, gradually altering the listener’s attention and sense of time. This process becomes a central structural principle of her work.
Her 2025 piece The Blue Hour, commissioned for violinist Sarah Saviet and pianist Joseph Houston, is an approximately 90-minute composition. In this work, repeated sounds and structures gradually transform how they are perceived, how space resonates, and how the listener’s attention shifts. Rather than musical development in a traditional sense, the piece is conceived as an extended temporal field for observing listening itself.
Underlying this approach is a sense akin to the repetition of dreams or the structure of memory, in which experiences that are similar yet subtly different recur, gradually altering the perception of time.
As a result, Hennies’s work is situated not in narrative or drama, but in the domain of time, perception, and consciousness itself. The act of listening becomes the center of the work, and music is framed not around “what happens,” but around “how it continues to be heard.”
Sarah Hennies は1979年生まれのアメリカの作曲家・打楽器奏者で、音響心理学、聴覚知覚、創造性のプロセス、アイデンティティといった領域を音楽を通して探求している。幼少期からドラムに親しみ、ハードコア／パンクの現場で演奏経験を積んだ後、イリノイ大学アーバナ・シャンペーン校やカリフォルニア大学サンディエゴ校で作曲を学び、スティーヴン・シックらに師事した。現在はニューヨーク州イサカを拠点に活動し、バード大学で教育にも携わっている。
作曲活動はソロや小編成のアコースティック作品を中心に展開し、近年はインスタレーション、ダンス、映像作品へと拡張されている。代表作《Contralto》（2017）はトランスジェンダーの声と音響を結びつけた作品として知られ、個人の身体経験と聴覚表現の関係を深く掘り下げている。
彼女の音楽の中心にあるのは、反復と持続による知覚の変化である。限られた素材が長時間にわたって反復されることで、聴き手の集中や時間感覚そのものが変化していくプロセスが重視される。
2025年の《The Blue Hour》は、ヴァイオリニスト Sarah Saviet とピアニスト Joseph Houston のために委嘱された約90分の作品である。この作品では、同じ音や構造が繰り返される中で、音の聞こえ方、空間の響き、聴き手の集中状態が変化していく過程が中心に置かれている。音楽は展開よりも、聴覚そのものを観察するための長い時間的な場として構成されている。
その発想には、夢の反復や記憶の構造のように、同じようでわずかに異なる経験が繰り返されることで時間感覚が変化していく。
結果としてHenniesの作品は、物語やドラマではなく、時間・知覚・意識そのものを扱う音楽として位置づけられる。聴くことそのものが作品の中心となり、音楽は「何が起こるか」ではなく「どのように聞こえ続けるか」を問うものとして構成される。
American Modern Opera Company
Salvatore Sciarrino
Stupori, 2018
for six readable silences for baritone, flute, violin and percussion
featuring Ty Bouque, baritone soloist
Michael Hersch
Carrion-Miles to Purgatory: thirteen pieces after texts of Robert Lowell, 2014*
for violin and cello
NY Premiere
American Modern Opera Company
Jonny Allen — Percussion
Ty Bouque — Baritone
Miranda Cuckson — Violin
Emi Ferguson — Flute
Coleman Itzkoff — Cello
Salvatore Sciarrino (b. 1947) is an Italian composer known for a highly distinctive musical language that centers on “extremely soft sounds,” “the edge of disappearance,” and “silence itself.” Rather than constructing music through accumulation, he develops a compositional approach in which the processes of fading sound and the subtle fluctuations of space are precisely designed, thereby transforming the listener’s auditory sensitivity itself.
His 2018 work Stupori (for baritone, flute, violin, and percussion) carries the subtitle “six readable silences.” In this piece, rather than conventional musical development, faint sonic fragments and breath-like gestures appear and vanish, with the resonance of their disappearance forming the work's structural core.
The piece is built almost entirely from extremely quiet sound material, with little emphasis on melody or dramatic progression. Instead, the boundary between sound and silence becomes fluid, and the listener is drawn not to “what is sounding,” but to “what is fading away.”
As a result, Stupori presents music not as a sequence of events, but as a form in which the texture of silence itself and shifts in perception become the primary object of listening.
Michael Hersch (b. 1971) is an American composer known for a dense and introspective sonic world. His music carries a strong psychological intensity, moving between silence, explosive sonic outbursts, and fragmented temporal structures, while evoking sensations of collapse and memory. He has been strongly influenced by poetry and literature, particularly the complex poetic universe of Robert Lowell.
His 2014 work Carrion-Miles to Purgatory: thirteen pieces after texts of Robert Lowell (for violin and cello) is a duo composition consisting of thirteen fragments inspired by Lowell’s texts. Rather than unfolding in a continuous linear progression, the music is arranged as a series of short sections placed in a fragmented sequence, each with its own character, collectively forming a long psychological trajectory.
Within the work, restrained pianissimo passages, sharply inflected pitch gestures, sudden surges of tension, and silence alternate, maintaining an unstable equilibrium. Each fragment returns in transformed states, producing a temporal structure that resembles a “fragmented continuity of consciousness.”
Themes of war, death, and religious imagery present in the poetry are not directly depicted; instead, they are transformed into sensations of psychological weight and rupture. As a result, the work, despite its minimal instrumentation of violin and cello, generates a densely concentrated inner drama.
Salvatore Sciarrino は1947年生まれのイタリアの作曲家で、現代音楽の中でも「極端に小さな音」「消え際の気配」「沈黙そのもの」を中心に据えた独自の音楽語法で知られている。音が消えていく過程や空間の揺らぎを精密に設計することで、聴覚の感度そのものを変化させる作風。
2018年の《Stupori》（バリトン、フルート、ヴァイオリン、打楽器のための作品）は、「six readable silences（6つの読める沈黙）」という副題を持つ。かすかな音の断片や息づかいのような響きが現れては消え、その消失の余韻が構造の中心となる。
作品全体は極めて静かな音響で構成され、旋律や劇的な展開はほとんど現れない。その代わりに、沈黙と音の境界が揺れ動き、聴き手は「何が鳴っているか」ではなく「何が消えつつあるか」を聴くことになる。
結果として《Stupori》は、沈黙そのものの質感と知覚の変化を聴く作品として提示している。
Michael Hersch は1971年生まれのアメリカの作曲家で、濃密で内省的な音響世界を特徴とする作家である。彼の音楽は強い精神的緊張を帯び、沈黙と爆発的な音響、断片化された時間構造を行き来しながら、崩壊と記憶の感覚を描き出す。詩や文学、特にロバート・ローウェルのような重層的な詩的世界から強い影響を受けている。
2014年の《Carrion-Miles to Purgatory: thirteen pieces after texts of Robert Lowell》（ヴァイオリンとチェロのための作品）は、ロバート・ローウェルのテキストに触発された13の断片から構成されるデュオ作品である。音楽は連続的に展開するのではなく、短いセクションが切断されたように並び、それぞれが独立した性格を持ちながら全体としてひとつの長い精神的軌跡を形成する。
作品では、抑制された弱音や鋭い音程の揺れ、突然の緊張の高まりと沈黙が交互に現れ、不安定な均衡が保たれている。各断片は記憶のように変形して再出現し、全体として「壊れかけた意識の連続」のような時間構造を生み出している。
詩の世界に含まれる戦争や死、宗教的イメージは直接描写されるのではなく、その精神的な重圧や断絶の感覚として音楽に変換されている。結果として本作は、ヴァイオリンとチェロという最小編成を用いながら、密度の高い内的ドラマを持つ作品となっている。
American Modern Opera Company（AMOC*）は、2017年に作曲家 Matthew Aucoin と演出家・振付家 Zack Winokur によって設立されたジャンルを超えて作品を共同生成する、現代アメリカのアート集団。
この団体はオペラを「音楽・演劇・ダンス・詩・視覚表現が衝突し変容する場」として再定義し、アーティストが横断的に参加する流動的なコレクティブとして活動している。構成メンバーは作曲家、歌手、器楽奏者、ダンサー、演出家など約17名におよび、作品ごとに編成や役割が変化するのが特徴である。
活動はオペラ作品に限らず、ダンス、インスタレーション、現代音楽、舞台作品などを横断し、共同制作を基盤に新作を継続的に生み出している。また、オジャイ音楽祭の音楽監督を務めるなど、アメリカ現代音楽シーンの中でも注目される創造集団として位置づけられている。
Georg Friedrich Haas
in vain, 2000
for 2 flutes, oboe, 2 clarinets, bassoon, 2 horns, 2 trombones, 2 percussion, harp, accordion, piano, saxophone, 3 violins, 2 violas, 2 cellos, and double bass
Alarm Will Sound
Alan Pierson, conductor
Erin Lesser, flutes
Brandon Patrick George, flute
Christa Robinson, oboe
Bill Kalinkos, clarinet
Nuno Antunes, clarinets
Ed Rosenberg, saxophones
Michael Harley, bassoon
Laura Weiner, horn
Nicolee Kuester, horn
Michael Clayville, trombone
Tim Albright, trombone
Chris P. Thompson, percussion
Matt Smallcomb, percussion
John Orfe, piano
Courtney Orlando, violin
Christopher Otto, violin
Austin Wulliman, violin
Andrew Griffin, viola
John Pickford Richards, viola
Irène Han, cello
Jordan Bartow, cello
Pat Swoboda, bass
Jacqui Kerrod, harp
William Schimmel, accordion
Daniel Neumann, Audio Engineer
Georg Friedrich Haas (b. 1953) is an Austrian composer whose work is centered on just intonation, microtonality, and extreme continuous transformations of sound. By slightly detuning pitches and harmonies, he treats the resulting beating and interference patterns within human hearing as the primary material of composition itself.
Rather than traditional melody or harmonic progression, his music emphasizes the acoustic phenomena that arise between tones—such as beating and sonic fluctuation. In particular, many of his works focus on long-duration structures in which the listener’s perception gradually and continuously changes over time.
in vain (2000) is a large-scale ensemble work scored for 2 flutes, oboe, 2 clarinets, bassoon, 2 horns, 2 trombones, 2 percussionists, harp, accordion, piano, saxophone, and strings.
A central concept of the piece is the interplay between light and darkness. During performance, stage lighting gradually changes, and this visual transformation is integrated with the sonic structure, altering the overall listening experience.
The music is based on harmonic structures derived from just intonation; however, as minute pitch deviations accumulate, stable sonorities gradually destabilize, blur, and re-form. Over an extended duration, the very space of listening undergoes continuous transformation.
As a result, in vain presents music not as a fixed “structure,” but as a process of perceptual change itself, in which the act of listening becomes part of the work.
Alarm Will Sound is an American contemporary music ensemble founded in 2001 by members of the Eastman School of Music. It performs a wide range of repertoire, from complex contemporary works to electronic music and large-scale orchestral pieces. The ensemble is known for its precise musicianship, flexible instrumentation, and close collaboration with composers in the creation and premiere of new works.
Alan Pierson is a conductor and music director who has played a central role in Alarm Will Sound since its founding. He is known for his strong interest in contemporary and experimental music and for his ability to bring clarity to works with highly intricate rhythmic structures and complex sonic designs.
Georg Friedrich Haas は1953年生まれのオーストリアの作曲家で、「純正律」「微分音」「極端な音響の連続変化」を中心に据えた作風。音の高さや和声をわずかにずらしながら、聴覚の中でうねりや干渉が起きる状態そのものを作品として扱う。
伝統的な旋律や和声進行よりも、音と音のあいだに生まれるビート（うなり）や音響の揺れが重要になる。特に長時間持続する構造の中で、聴覚が徐々に変化していくプロセスを強く意識した作品が多い。
《in vain》（2000）は、2フルート、オーボエ、2クラリネット、ファゴット、2ホルン、2トロンボーン、2打楽器、ハープ、アコーディオン、ピアノ、サクソフォン、弦楽群のための大規模アンサンブル作品である。
この作品の中心は「明るさと暗闇の交錯」にある。演奏中に照明が段階的に変化し、視覚環境の変化と音響構造が連動することで、音楽体験そのものが変容していく設計になっている。
音楽は純正律に基づく和声構造を持ちながらも、微細な音程差が積み重なることで、安定した響きが徐々に揺らぎ、濁り、再び形を変えていく。長い時間の中で、聴取空間そのものが変化していくプロセスが中心となる。
結果として《in vain》は、音楽を「構造」ではなく「知覚の変化そのもの」として提示する作品であり、聴く行為そのものが作品の一部になるように設計されている。
Alarm Will Sound は2001年にイーストマン音楽学校のメンバーを中心に結成されたアメリカの現代音楽アンサンブルで、複雑な現代作品から電子音楽、オーケストラ的スケールの作品まで幅広く扱う。精密なアンサンブル力と柔軟な編成を持ち、作曲家との共同制作や新作初演を積極的に行うことで知られている。
Alan Pierson は指揮者・音楽監督で、Alarm Will Soundの創設期から中心的な役割を担ってきた人物である。現代音楽や実験音楽に強い関心を持ち、精緻なリズム構造や複雑な音響設計を持つ作品でも明晰なアンサンブルを引き出す。
Rebecca Saunders
Scar (Triptych II), 2018-19*
for oboe, clarinet, horn, trumpet, trombone, accordion, 2 pianos, electric guitar, 2 percussion, violin, viola, cello, and double bass
* US Premiere
Commissioned by Festival Acht Brücken | Musik für Köln with financial support from the Ernst von Siemens Music Foundation and the Birmingham Contemporary Music Group.
Rebecca Saunders
Skull (Triptych III), 2022-23*
for bass clarinet, tenor sax, bassoon, horn, trumpet, trombone, 2 percussion, Korg BX3, electric guitar, violin, viola, cello, and double bass
* US Premiere
Talea Ensemble
James Baker, conductor
Rebecca Saunders is a British composer known for works centered on timbre, physical energy, and fragmented temporal structures. Rather than focusing on melodic or harmonic development, her music emphasizes friction, impact, and the processes of sound's disappearance, constructing works that demand intense auditory concentration and heightened listening.
Scar (Triptych II) (2018–19) is a large-scale ensemble work in which sound does not unfold as a continuous flow, but instead appears as fragmented gestures that emerge and dissolve through abrupt changes and silences. Emphasis is placed on sharp attacks and shifts in timbre, and the work accumulates as irregular traces resembling “scars” etched into sound.
Skull (Triptych III) (2022–23), written as part of the same triptych, intensifies this language through a denser sonic field and more abrasive energy. With the addition of low instruments, electric guitar, and electronic keyboards, the texture thickens, and the sound appears less like sustained continuity and more like intermittent pressure and collision.
What unites both works is the construction of music not as smooth continuity, but as a sequence of fragments, traces, and sonic impacts. Sound does not remain stable; instead, it appears and disintegrates repeatedly, inscribing itself in space. As a result, listening shifts away from following temporal flow toward an intense focus on the “presence” of sound itself.
The Talea Ensemble is a New York–based contemporary music ensemble founded in 2008. It focuses on commissioning and premiering new works and is known for its specialization in complex and experimental contemporary repertoire. A defining feature of the ensemble is its close collaborative process with composers, through which works are actively shaped in performance.
James Baker is a conductor closely associated with the Talea Ensemble. He is recognized for bringing clarity to highly intricate rhythmic structures and complex sonic textures in contemporary music, revealing the architecture of ensemble works with precision.
His approach is characterized by a balance between detailed accuracy and large-scale coherence, enabling even highly demanding new works to be performed with both structural clarity and musical momentum.
Rebecca Saunders はイギリス出身の作曲家で、音の質感や物理的なエネルギー、断片化された時間構造を中心にした作品で知られている。旋律や和声の展開よりも、音そのものの摩擦や衝撃、消失の過程に焦点を当て、聴覚的な集中と緊張を強く要求する音楽を構築している。
《Scar (Triptych II)》（2018–19）は、大規模アンサンブルのための作品で、音が連続的に流れるのではなく、断片的なジェスチャーとして現れ、急激な変化や沈黙を挟みながら進行する構造を持つ。音色の切り替えやアタックの鋭さが強調され、音楽全体が「傷跡」のような不規則な痕跡として積み重なっていく。
《Skull (Triptych III)》（2022–23）は同じトリプティックの一部として書かれた作品で、より密度の高い音響と硬質なエネルギーが特徴となる。低音楽器やエレクトリックギター、電子鍵盤が加わることで音響の層が厚くなり、音は持続する塊としてではなく、断続的な圧力や衝突として現れる。
両作品に共通するのは、破片・痕跡・衝撃の連続を構築する点である。音は安定した形を保たず、出現と崩壊を繰り返しながら空間の中に刻まれていく。その結果、聴取は音の存在そのものに集中する。
Talea Ensemble はニューヨークを拠点とする現代音楽アンサンブルで、2008年に設立された。新作委嘱と初演を活動の中心に据え、複雑で実験的な現代音楽を専門的に演奏する団体として知られている。作曲家との密接な共同作業を通して作品を形作るスタイルを特徴とし、国際的な現代音楽シーンで重要な役割を担っている。
James Baker は指揮者で、Talea Ensembleの音楽活動に深く関わる人物である。現代音楽における精緻なリズム構造や複雑な音響テクスチャを明晰に整理し、アンサンブル全体の構造を鮮やかに浮かび上がらせる指揮で評価されている。